杨佴旻绘画的诗意品味

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来源：北京文艺网


    中国传统绘画有着两种颜色体系，一个是“素色”的水墨体系，一个是“彩色”设色的彩墨体系，但都是利用自然的材质（水墨与矿物质），能够完好地结合这两种颜色体系，而且还接纳西方水彩与水粉鲜亮与色彩的颜色体系，那将会带来什么样的丰富美感？这无疑是一件诱人的事情，而在日本旅居多年，对日本色以及日本艺术在颜色上的贡献了然于心的杨佴旻，以对静物画以及山水画独特色彩的描绘，完好融合了三重的色彩观，带给了水墨一种新的气息与味象。
    表面上看，杨佴旻的绘画是西方静物画的中国化，乃至于给人以印象派的色调，就是苹果，花瓶，花卉，沙发，窗帘等等日常之物直接呈现在我们眼前，就如同莫兰迪的那些瓶瓶罐罐，但与印象派不同在于：水墨以及彩墨的那种线条与墨晕被充分表现出来，尽管莫兰迪晚期静物画上的瓶瓶罐罐越来越彼此内在靠近，边缘线已经相互融合，乃至于有着水彩的那种吸纳性与呼吸感，但还是受到西方造型以及光影对比的影响，无法彻底传递事物内部那种气氛的融合感。而杨佴旻充分利用了水墨的吸纳性原理，传达出了水墨独有的“味象”，并且以水的融纳性，化开了固有色颜料，吸纳西方水彩的色差，这个“晕化”的技法是杨佴旻独有的心法，并且手法多变而丰富。
    所谓水墨的“自然吸纳性”原理在于：不同于西方的造型以及块面塑造的方式，莫兰迪那里还是有着几何形的形体简洁化与抽象化处理痕迹，也不同于早期静物画的那种具象写实，中国水墨画的现代转换在于，充分利用水墨本身的原理，这就是毛笔与水墨材质之间，水墨与宣纸之间，彼此相互的吸纳与渗染，而且与个体书写时的气息吐纳相通，这个吸纳与渗染带来的是一种灵动的气氛，不是塑造形体，而是融合线条与晕染，让画面上的各个物体之间并非一个个孤零零的物（或者生长或者衰败），而是物与物之间有着内在的呼吸，相互彼此隐秘地吸纳，色彩并非聚集在某一个物体上，而是在内在地蔓延，整个画面被一种氛围所笼罩，呈现的是一种“味象”——所谓宗炳所言的山水画的“澄怀味象”，而杨佴旻很好地传达出了水墨的这种含蓄的韵味，而且因为与雅致的颜色融和，不断把颜色洇入宣纸而晕化开来，更为耐人寻味。这个吸纳性的自然性原理，当然有助于画家描绘那些更为自然的事物，比如花果与山水了。如果说这样的艺术实践对中国当代绘画有着什么贡献，那就是自觉转换这个水墨的吸纳原理，使之不断扩展，而不再仅仅是学习模仿西方艺术的形式构成与剧场化的行为实践。
    杨佴旻的绘画带给我们一种新的视觉感知方式，那就是唤醒传统的味象，不再仅仅是视觉的感知，而是带有诗意的品味，在简洁之中有着禅意，在明丽之中有着梦幻。记得塞尚曾经如是说：“我要用一只苹果征服巴黎！”我相信杨佴旻可以用他宣纸上的苹果来征服世界。